Nuestros álbumes internacionales favoritos de 2016 hasta la fecha (3/4)


Hemos superado ya el ecuador de este año 2016, en el que se ha publicado una enorme cantidad de álbumes internacionales de elevadísima calidad, y desde El Ukelele queremos traeros, en orden ascendente porque lo bueno se hace esperar, los que han sido nuestros álbumes favoritos hasta la fecha, incluyendo los trabajos de artistas como Radiohead, Swans, Beyoncé, Anohni o Kendrick Lamar


Os recordamos que estos son nuestros álbumes favoritos en El Ukelele y por tanto, los que más nos han gustado, como opinión personal. No pretendemos insinuar que los álbumes de los que se va a hablar en estos artículos sean indiscutiblemente los mejores, ni mucho menos, sino intentar exponer nuestros pensamientos acerca de ellos y si, además, conseguimos que tú, querido lector, descubras aquí a tu nuevo grupo favorito (nunca se sabe), ¡mejor que mejor!

Ya nos vamos acercando al final de nuestro ranking personal de álbumes favoritos de 2016. En esta tercera y penúltima parte os traemos los puestos del 10 al 6 (aquí puedes leer la primera tanda, y aquí la segunda). Vamos allá:

10. Anohni – Hopelessness (Rough Trade Records)

a1895762218_10Hopelessness es el primer disco en solitario de Anohni, el nuevo pseudónimo de Antony Hegarty, cantante y líder de la banda Antony and the Johnsons. El álbum ha sido producido por la propia cantante, con la ayuda de Oneohtrix Point Never y Hudson Mohawke.

El trabajo de la británica se presenta como un ejercicio de pop electrónico envuelto en las siempre magníficas interpretaciones vocales de Anohni. Como era de esperar, es la voz la que pone los cimientos del álbum, con melodías de la calidad a la que nos tiene acostumbrados la artista inglesa. No obstante, es la producción del álbum la que lo eleva al nivel en el que se encuentra. Además, las letras del disco, claramente llenas de crítica y afán de concienciar en terrenos como el calentamiento global, la pena de muerte, la política de Obama, la guerra, etc, dotan al álbum de un potente mensaje lanzado de forma directa.

El corte con el que se abre el disco, ‘Drone Bomb Me’ sirve como un buen resumen de lo que Hopelessness está por ofrecer. Encontramos una producción, como decíamos, generalmente electrónica, con percusiones agresivas, como es el caso del single ‘4 Degrees’. También se nos muestra una faceta mucho más experimental, como es el caso de la extraña aunque genial ‘Obama’, con una producción atmosférica que se mueve entre lo oscuro y lo bailable. Por último, tras la inofensiva ‘Why Did You Separate Me From The Earth?’, el disco encara su tramo final con una fuerza y calidad increíbles. En primer lugar, ‘Crisis’ nos habla de bombardeos con drones y de cortar cabezas de inocentes en televisión (clara referencia al terrorismo de ISIS), con una instrumental sutil y atmosférica de una belleza impresionante. De nuevo los sintetizadores abren paso al corte homónimo, ‘Hopelessness’, en el que la cantante traza un paralelismo entre un virus y cómo la humanidad está acabando con su propio planeta sin importarle demasiado.

I don’t care about me, I feel the animals and the trees they got nowhere to go. I don’t care much about you, I don’t give a shit what happens to you. Now we blew it all away.

Finalmente, Hopelessness se despide con ‘Marrow’, que contiene una de las melodías vocales más bonitas y pegadizas de todo el disco. Además, Anohni continúa con las metáforas a modo de crítica. En este caso habla de la Tierra como si fuera el cuerpo de una mujer enferma que es explotada por una humanidad globalmente americanizada. Así, Anohni nos dice adiós y nos deja con ganas de más. Esperemos que no tarde mucho en darle un sucesor a este maravilloso Hopelessness.

Género: Art Pop

Valoración personal: ★★★★☆  (8.5/10)

Cortes favoritos: ‘4 Degrees’, ‘Drone Bomb Me’, ‘Obama’, ‘Hopelessness’, ‘Crisis’, ‘Marrow’, ‘I Don’t Love You Anymore’

 

9. Mitski – Puberty 2 (Dead Oceans)

51364-puberty-2Es una pava que pensaba que iba a ser otra tonta con guitarra pero OMG“. Así es como me vendió el disco el amigo que me lo recomendó. Yo no conocía de nada a la joven japonesa, pero me apunté el nombre del disco de todos modos. Unas cuantas semanas más tarde finalmente lo escuché y, efectivamente, OMG.

Vamos a quitárnoslo de encima cuanto antes y así podemos pasar a otra cosa: sí, se parece a St. Vincent. No, no es una copia barata de St. Vincent.

Y es que es así, Puberty 2 tiene algo. Es una demostración de que, en muchas ocasiones, menos es más. Mitski elabora buenos temas partiendo de ideas sencillas. Es el caso de ‘Fireworks’, en la que con un par de acordes, Mitski consigue crear una atmósfera de tensión progresiva que parece que va a estallar en cualquier momento, pero que no lo hace. Del mismo modo arranca el single ‘Your Best American Girl’, con unas pocas notas en una guitarra acústica, pero en este caso sí encontramos la explosión que faltaba en el anterior corte. Aquí Mitski nos regala un estribillo potentísimo, con guitarrazos al más puro estilo noise y unas voces distorsionadas que completan uno de los mejores momentos del disco. No tiene la misma suerte ‘My Body’s Made of Crushed Little Stars’, en la que una guitarra con una distorsión no muy acertada acompañada de una guitarra acústica y las vocales de Mitski también distorsionadas no son suficientes elementos para conseguir que el tema despegue, y se queda como nada más que un obstáculo en el transcurso del disco.

Tras la popera y agradable ‘Thursday Girl’ y la ruidosa y breve ‘A Loving Feeling’, llega lo que para mí es el mejor momento de todo el disco: ‘Crack Baby’. Con una melodía vocal que, como decíamos al principio, recuerda inevitablemente a las de St. Vincent, el tema se desarrolla con una caja de ritmos a modo de base a la que se unen una serie de sintetizadores que completan la atmósfera perfecta para un tema que nos habla de la felicidad y la tristeza y de cómo es imposible tener una sin la otra.

Así es precisamente como se desarrolla este brillante y entretenido Puberty 2, con una de cal y otra de arena; una de pop y otra de ruido. Sin duda uno de los trabajos más interesantes de este año en el panorama indie.

Género: Indie Rock / Noise Pop

Valoración personal: ★★★★☆  (8.5/10)

Cortes favoritos: ‘Crack Baby’, ‘Your Best American Girl’, ‘Happy’, ‘Fireworks’, ‘I Bet on Losing Dogs’, ‘Thursday Girl’

 

8. Xiu Xiu – Plays the Music of Twin Peaks (Polyvinyl / Bella Union)

xiu-xiu-plays-twin-peaks-500x500La banda experimental de California, Xiu Xiu, nos trae un conjunto de versiones de la banda sonora original de la serie Twin Peaks, de David Lynch. Se trata de un trabajo de larga duración, rozando los 70 minutos, en el que la banda se muestra más experimental que nunca, jugueteando con el ambient más oscuro o incluso con el drone.

Sería contraproducente hablar de este disco tema por tema, ya que podría considerarse que prácticamente el único corte que tiene estructura de canción como tal sería ‘Falling’. Así pues, se trata de una escucha que cobra sentido pleno cuando se escucha de principio a fin, como un único bloque musical propiamente dicho. De este modo, los californianos consiguen dotar a la banda sonora de Twin Peaks de un nuevo color.

Considero que en este disco Xiu Xiu se encontraban frente a un reto, ya que la banda sonora original es suficientemente buena como para poder considerar una locura tratar de versionarla. No obstante, los de San José nos regalan un conjunto de excelentes canciones oscuras, experimentales, ambientales… que te llevan a un lugar muy lejano durante los más de 68 minutos que dura el álbum, los cuales, siendo realistas, parecen muchos menos que 68. En un abrir y cerrar de ojos el disco termina y no te has dado ni cuenta. En ese momento, solo se te ocurre hacer una cosa: volver a darle al play. Reto más que superado.

Es por esto que considero este álbum como uno de los mejores trabajos de esta primera mitad de 2016 y, sin duda, el ejercicio de ambient más acertado. Además, es para mí uno de los momentos más brillantes de toda la carrera de estos Xiu Xiu, los cuales estoy seguro de que sorprenderán a más de uno con el próximo trabajo que se traigan bajo el brazo.

Género: Experimental / Ambient

Valoración personal: ★★★★★  (9/10)

Cortes favoritos: todo el trabajo excepto quizá ‘Nightsea Wind’ y ‘Harold’s Theme’.

7. Niechęć – Niechęć (Wytwórnia Krajowa)

a1895776799_10500Niechęć son una banda originaria de Varsovia, Polonia, y su nuevo trabajo ha sido, sin ninguna duda, mi mayor sorpresa musical de lo que llevamos de año.

Se trata de un grupo completamente instrumental, con el jazz como eje central de su música. Así pues, encontramos saxofón y walking bass por doquier. Pero no solo eso. Los elementos de jazz se ven fusionados con otros elementos como son las estructuras típicas del rock progresivo, con riffs incluidos, claro. Además, en este trabajo homónimo de Niechęć encontramos unos solos de sintetizador vertiginosos, a los que normalmente acompañan las impecables líneas de bajo de Maciej Szczepański.

El primer corte del disco, ‘Koniec’ sirve como un magnífico resumen de todo el trabajo. Nada más comenzar nos damos de bruces con el saxofón de Maciej Zwierzchowski, acompañado por una atmósfera oscura y unas teclas de piano envueltas en reverb. Y no es hasta pasados los 3 minutos de canción cuando estalla el riff principal, jugando con los cambios de intensidad para luego dar paso a la maravillosa línea de bajo a la que se unirá un solo de teclado que tiene toda la pinta de ser una improvisación en toda regla. En ‘Rajza’, el segundo corte del disco, la progresión tiene un papel menos protagonista, pero aquí los polacos juegan a la perfección con la repetición de riffs y estructuras, consiguiendo elaborar un tema breve pero muy interesante.

Otro de los elementos con el que juegan Niechęć son las atmósferas, como es el caso de la etérea ‘Echotony’ o la impresionante ‘Trzeba to zrobic’, que cierra el disco. Esta última es una colección de riffs e improvisaciones que se suceden de forma increíblemente cohesiva durante casi 10 minutos. Pura magia.

Pero se nota que es en el jazz donde los polacos se sienten verdaderamente cómodos. Los cortes más fieles al género los encontramos en la segunda mitad del álbum, como por ejemplo la brillante y progresiva ‘Krew’, uno de mis cortes favoritos de todo el trabajo.

Como decía al principio, Niechęć han sido mi mayor descubrimiento de 2016, y su disco homónimo es un ejercicio de Jazz Fusion único en el que los polacos muestran una frescura y una soltura en sus instrumentos que no es fácil de encontrar hoy en día. Habrá que tener a estos muchachos en el punto de mira.

Género: Jazz Fusion

Valoración personal: ★★★★★  (9/10)

Cortes favoritos: ‘Koniec’, ‘Krew’, ‘Rajza’, ‘Widzenie’, ‘Atak’, ‘Trezba to zrobic’

 

6. White Lung – Paradise (Domino)

50577-paradiseLlegamos al disco conflictivo de la entrega. Voy a ser claro con esto: ¿qué maldito problema tiene la gente con que los grupos cambien su sonido? ¿Qué más da que hagan X o hagan Y si lo que hacen sigue siendo música de calidad? ¿Qué habría pasado si Radiohead nunca hubiesen abandonado el mediocre sonido del Pablo Honey? En fin…

White Lung son un grupo canadiense de punk rock, y Paradise es su cuarto álbum de estudio. En él, los canadienses dejan atrás el sonido agresivo post-hardcore de su primeros trabajos, tal y como ya venían avisando con su anterior álbum, Deep Fantasy (Domino, 2014). Ahora encontramos un sonido mucho más suave, llegando a encontrar varios estribillos pegadizos a lo largo del disco. Y aquí viene el conflicto. Resulta que a los die-hard fans de White Lung no les ha hecho mucha gracia que estos se “popericen”, ya que al parecer ser pegadizo es algo malo. Pues yo no puedo estar más en desacuerdo.

‘Dead Weight’, el corte que abre el trabajo, es uno de los temas más interesantes de punk del año, en el que se condensan la rabia y la esencia de White Lung en 2 minutos y medio. A esta le sigue ‘Narcoleptic’, mi corte favorito del disco, con uno de los versos más pegadizos y el que para mí es el mejor riff de 2016. ¿Qué problema hay con que White Lung ya no tengan la garra que tenían en 2010 si siguen componiendo riffs como este? Yo creo que ninguno. Otro gran ejemplo de esto mismo es la cruda y potente ‘Demented’, llena de distorsión y rabia que contrastan con la voz melódica y dulce de Mish Way-Barber.

Pasado el ecuador de disco, llegamos a otro momento conflictivo, el single ‘Hungry’ (en el videoclip de la cual, por cierto, aparece George Clarke, cantante de Deafheaven, como dato curioso). Se trata de un corte más bien suave, con una melodía agradable pero con cierto grado de agresividad. Pero es el estribillo la verdadera joya del tema. Un estribillo pegadizo hasta más no poder que se quedará sonando en tu cabeza durante días y semanas. Un pedazo de single como mandan los cánones.

Tras dos de los momentos más oscuros del disco pero sin duda de los más interesantes también (la potente y pegadiza ‘I Beg You’ y la ruidosa ‘Vegas’), el disco termina con el corte homónimo del disco. Así es como White Lung acostumbran a hacerlo: breve pero intenso. El disco termina y te deja con una sensación de vacío que solo puedes rellenar volviendo a escuchar el magnífico trabajo otra vez… y otra… y otra… hasta que pierdes la cuenta.

Que le den a los haters. Que le den a los puristas. Que le den al “true punk“. Esto es White Lung, y es White Lung haciendo un gran disco… otra vez. Disfruten y dejen disfrutar.

Género: Punk rock

Valoración personal: ★★★★★  (9/10)

Cortes favoritos: ‘Narcoleptic’, ‘Kiss Me When I Bleed’, ‘Vegas’, ‘I Beg You’, ‘Hungry’, ‘Sister’, ‘Demented’

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